Prof. Andrzej Szczerski

Historien de l’art polonais, critique d’art, maître de conférences et responsable des études de conservation des musées à l’Institut d’histoire de l’art de l’Université Jagellonne.

Titre : Créer des expositions et des récits autour de l’institution – questions théoriques et pratique dans les activités du Musée national de Cracovie (L’exposition #patrimoine).

L’exposition #patrimoine au Musée national est une voix dans le débat actuel sur le patrimoine polonais. À la veille du centenaire du recouvrement de l’indépendance, ce débat acquiert une nouvelle dynamique, poussant à s’interroger sur nous-mêmes, sur la manière dont nous définissons notre histoire, nos réalisations civilisationnelles, la spécificité de la culture nationale et sa relation avec le monde qui nous entoure.
https://mnk.pl/exhibitions/heritage

Le professeur Andrzej Szczerski a étudié l’histoire de l’art à l’Université Jagellonne, où il a obtenu un doctorat en 2000 et un doctorat habilité en 2010. Il a également suivi le cours de maîtrise en études des collections royales à Londres, organisé par The Attingham Trust (2001), le cours universitaire d’été à l’Université d’Europe centrale de Budapest (2002) et le Stone Summer Theory Institute à la School of the Art Institute de Chicago (2007).
Il a également enseigné à l’université Goethe de Francfort-sur-le-Main (2003) et à l’université de St Andrews au Royaume-Uni (2004). Boursier d’universités et d’instituts de recherche étrangers, m.in. Université d’Oxford, Zentralinstitut für Kunstgeschichte à Munich, Universita per Stanieri à Perugia. Lauréat de la bourse nationale pour jeunes scientifiques de la Fondation pour la science polonaise (2000).
En 2009, il est devenu le président de la section polonaise de l’Association internationale des critiques d’art (AICA). Le 28 septembre 2013, il a été élu vice-président de l’AICA. Depuis 2005, il est membre du chapitre des experts de la Fondation Małopolska du Musée d’art contemporain de Cracovie. Dans les années 2002-2005, il a été le commissaire de la série de conférences “Concevoir la modernité” à l’Institut Goethe et au British Council de Cracovie.
Co-auteur des expositions Symbolism in Poland and Britain à la Tate Britain de Londres en 2009 et The Power of Fantasy. Art moderne et contemporain de Pologne au Palais des Beaux-Arts BOZAR à Bruxelles en 2011. Commissaire de l’exposition Modernisations 1918-1939. Le temps futur a été réalisé au Musée d’Art de Łódź en 2010. Membre du Conseil scientifique de l’exposition Der Neue Staat. Polnische Kunst Zwischen Experiment und Repraesentation 1918-1939 au Leopold Museum de Vienne en 2002.

Iris Lana

Chercheuse, conférencière, directrice de projets d’archives, membre de comités publics dans le domaine de la danse, entrepreneuse.

Sa conférence intitulée Archiver la danse par l’État : Les politiques et les pratiques, présente un processus d’archivage de la danse illustré par le projet d’archives de la Batsheva Dance Company, en présentant sa complexité et en décrivant comment son intention de reconstruire un volume non documenté de l’histoire de la danse est devenue un carrefour de tensions et d’intérêts.
Ce projet a été le déclencheur d’une entreprise d’archivage à l’échelle nationale du domaine de la danse en Israël – une coopération entre plusieurs institutions orchestrée par la Bibliothèque nationale d’Israël. Les actions de ce projet soulèvent d’autres problèmes pratiques d’archivage de la danse, ainsi que des défis essentiels pour redéfinir le canon de la danse israélienne, et pour faire face à la question primordiale de savoir qui est en charge de la mémoire collective et quelles idéologies sont impliquées.

Iris Lana est une chorégraphe indépendante et une conceptrice de gestuelles de théâtre depuis près de 20 ans (1997-2015). Au cours de ces années, elle a enseigné le mouvement pour les acteurs et a été chef du département du mouvement à l’école de théâtre de Beit-Zvi (1998-2011).
Elle est titulaire d’un baccalauréat en musique de l’Académie de danse de Jérusalem, a obtenu une maîtrise du programme d’arts interdisciplinaires de l’Université de Tel-Aviv et travaille aujourd’hui sur sa thèse de doctorat à l’Université de Tel-Aviv.
Actuellement, elle donne des cours sur la théorie de la danse : “La danse en Israël : Idéologie, culture et corps”, “Lectures en danse européenne contemporaine” et “Histoire de la danse théâtrale” (2012- ). Elle enseigne également un cours en ligne sur la ‘Danse en Israël’ à l’Université Rutgers (2016- ), et tient une plateforme de talk-show (‘Points de réflexion’) sur le discours de la danse contemporaine au Kibbutzim College (2015- ).
Avec le professeur Rina Gluck, elle a cofondé et dirigé (2009-2012) le projet d’histoire orale, qui documente la danse israélienne depuis ses débuts.
Ce projet contient 86 interviews en ligne qui constituent une base de données pour les chercheurs et les étudiants.
Iris a été directrice du projet d’archives de la Batsheva Dance Company (2012-2015). Le projet a rassemblé des documents d’archives de la compagnie et en a mis des parties en ligne. Aujourd’hui (2016- ), elle est également directrice du domaine de la danse dans “The National Digital Collection : Architecture, Dance, Design and Theater’, un projet de la Bibliothèque nationale d’Israël, en collaboration avec la division Judaica de la bibliothèque de l’Université de Harvard. Le projet consiste à cartographier, cataloguer et numériser diverses collections d’archives sur la danse israélienne.
Au cours des deux dernières années, Iris a été à la tête du comité des arts du spectacle au sein du conseil de la culture et de l’art de la loterie de l’État d’Israël (le “Pais”). Elle est également membre du comité “Exposition internationale de la danse israélienne” au centre Suzanne Dellal à Tel Aviv.
Elle a été membre du comité scientifique de traduction de livres de danse (codirecteurs : Gabi Aldor et Ran Brown), (2012-2018), et co-directrice artistique de ‘Machol Chadash’, nouveau festival de danse à Hazira, Jérusalem (2012).
Actuellement, elle édite un catalogue des collections d’archives de la danse en Israël et élabore des plans pour un podcast sur la scène de la danse contemporaine israélienne. Depuis avril 2020, elle est la directrice exécutive du festival annuel de pointe Diver à Tel Aviv.

Dr. Dwandalyn Reece

Présidente du comité exécutif du Musée national de l’histoire et de la culture afro-américaines

Titre : Quelle est la valeur du sens des choses ? –  La culture matérielle et les arts du spectacle.

La collection de musique et d’arts du spectacle du Smithsonian National Museum of African American History and Culture englobe plus de 400 ans de créativité, de culture, d’innovation, de contestation sociale et d’expression artistique, depuis l’arrivée des premiers esclaves africains sur le continent américain jusqu’à aujourd’hui.  La manière dont nous abordons les arts du spectacle est en constante évolution, tout comme la manière dont nous documentons, préservons et interprétons leur culture matérielle, c’est-à-dire les objets tangibles qui sont la preuve physique de leur existence.  La culture matérielle, ainsi que les méthodologies employées pour l’étudier, sont couramment utilisées par les conservateurs, les chercheurs et les étudiants en anthropologie, archéologie, histoire de l’art, études folkloriques et histoire. Le nombre croissant d’expositions, de musées et de sites historiques consacrés à la musique qui voient le jour dans le monde entier et l’intérêt croissant du public pour l’acquisition d’albums, de photographies, d’instruments, de vêtements et d’autres objets liés à la musique illustrent la valeur historique, culturelle et éducative de ces collections pour les publics du monde entier.

Dans cette conférence, le Dr Dwandalyn Reece discutera de sa méthodologie d’interprétation de l’histoire des Afro-Américains dans les arts du spectacle à travers le prisme de leur culture matérielle. Cette méthode s’articule autour de l’idée que les objets permettent d’approfondir notre compréhension de la manière dont les arts du spectacle créent du sens dans notre vie quotidienne.

Dwandalyn R. Reece est conservatrice de la musique et des arts du spectacle au National Museum of African American History and Culture de la Smithsonian Institution et a organisé l’exposition permanente du musée, Musical Crossroads, pour laquelle elle a reçu le Secretary’s Research Prize en 2017. Reece a collaboré avec d’autres unités SI sur des programmes tels que le 2016 NMAAHC Grand Opening Festival, Freedom Sounds : A Community Celebration et le programme du Folklife Festival 2011, Rhythm &Blues : Tell it Like It Is.
Elle est présidente du groupe pan-institutionnel du SI Smithsonian Music et travaille actuellement sur la collaboration entre la NMAAHC et Smithsonian Folkways, The Smithsonian Anthology of Hip-Hop and Rap, et est co-conservatrice de l’Année de la musique de Smithsonian.